Paiting landscapes - Pintura del paisaje

     El paisaje como tema principal empezó a considerarse a partir del renacimiento, por lo menos en el mundo occidental, ya que en el oriente es decir países asiáticos en especial china, el paisaje siempre ha tenido una gran importancia como tema y lo abordan de manera muy diferente a como lo hacen los occidentales.

Como abordar una obra de arte, inicio de la creación orientado hacia el paisaje.

Cuando se empieza a pintar el artista debe estar cómodo y concentrar su espíritu en conseguir captar lo esencial y alma de las cosas que está observando, es lo primero que debe hacer antes de lanzar la primera línea. Debe sentir la temperatura, el aire, la humedad, las luces, las sombras y los colores, visualizar cada uno de los elementos y decidir cual va ser el eje central de su pintura. A que le va a dar mayor importancia. Sólo así logrará crear una pintura que transmita algo más que belleza y dominio técnico. Preguntarse: ¿Qué es lo que más me gusta de lo que veo y porque?, ¿Qué es lo que me transmite, lo que siento?.

El artista ha de ver el paisaje e identificarse con él, revelar su significado, no conformarse con copiar lo que ve y descubrir todas sus cualidades escondidas. Debe descubrir las diferencias de color o matices y tonos según las horas del día y las estaciones del año. Debe ser junto con el paisaje; así, cuando sus ojos estén extasiados con la multitud de imágenes, formas, luces y colores, estructurar su pintura haciendo un dibujo previo o boceto donde se le dé forma al paisaje, considerando la proporción entre cada elemento. 

En principio debe determinar cómo va a ser observado su paisaje y establecer así donde colocará la línea de horizonte que separa cielo y tierra, esto le dará la perspectiva- la profundidad. Lo que nunca deberá hacer es colocar la línea de horizonte justo en el centro de su lienzo ya que el efecto óptico es de un cuadro partido en dos, salvo que tenga toda la intencionalidad de que se vea de esa manera, en ese caso debe ser irreverente en su hacer, para que el resultado no se vea como un error, sino como una osadía. 

Ya realizado este paso se comenzara a dibujar el elemento más amplio, grande, o destacado de nuestro paisaje o en su defecto aquello que deseamos resaltar ubicándolo equilibradamente en el espacio blanco del lienzo determinando el ancho y alto del mismo. Es decir; decidir cuánto espacio va a ocupar, seguidamente podemos ir dibujando el resto de los elementos determinando ante todo su ubicación y luego las formas. Seguidamente, podemos si queremos dibujar algunos detalles ya que el resto lo haremos con la pintura.

"Es un consejo personal de que para lograr una buena pintura esta debe tener de base un buen dibujo."

Terminado nuestro dibujo procederemos a colocar la mancha general de colores para luego ir agregando tonalidades y sombras, retirándonos cada cierto tiempo del lienzo, del papel o de la obra para verla a distancia y apreciar la totalidad de lo que se va pintando. Si una zona de la pintura nos da algún problema o duda es mejor dejarla y seguir con otra zona para retomarla nuevamente, cuando nuestra mente este más sosegada. No sea testarudo y evite forzar el proceso creativo, este debe fluir como el agua que corre entre las piedras de un rio.

Así ya terminado nuestro paisaje, si este no logra dejarnos alguna sensación, emoción o sentimiento, significa que no ha sido suficiente nuestra observación del mismo y hemos fracasado en captar la esencia de nuestro motivo en este caso el paisaje. Puede que su hechura no sea la mejor pero lo que trasmite una pintura puede transcender en ocasiones sus fallas técnicas. Lo que no significa que no deba esforzarse por lograr mejorar su técnica cada día más. 

Si fracasa o simplemente no le agrada el resultado inténtelo de nuevo y recuerde que es un escalón más para lograr lo que desea.

Pintar con la espátula

Se puede pintar con óleos y con acrílicos, sin diluir las pinturas para mantener el espesor y manejar mejor la pintura. Para ello es necesario: 

• Elige bien una espátula antes de empezar a pintar. Estas difieren en calidad. Puedes buscar un cuchillo de paleta con cierta flexibilidad en la hoja y un mango cómodo.
• Coloca pintura en tu espátula y deslízala a través de la pintura. Esto es muy similar a usar un cuchillo para untar mantequilla sobre un pedazo de pan tostado.
• Mantén la espátula en la posición que te resulte más cómoda. Para añadir pintura en un lienzo, espárcela sobre el lienzo con la espátula. También puedes hacer pequeños puntos y líneas finas usando la punta de esta, presionando el borde hacia abajo.
• Mejora la textura de tu pintura con el cuchillo de paleta. Ponle abundante pintura y aplícala sobre la pintura fresca que está en el lienzo. Espárcela con la espátula, como si fuera mantequilla sobre pan tostado. Levanta la espátula a medida que la pasas, así crearás crestas sobre la pintura.
• Añade capas de color con la espátula. Haz capas de colores más claros en la parte superior de los colores más oscuros, con una cantidad moderada de pintura en la espátula. De esta manera, puedes hacer capas de colores en la parte superior sin dañar las inferiores.
• Raspa la pintura en el lienzo con la espátula. Puedes utilizar esta técnica para borrar los errores o para añadir textura y detalles. Usa la hoja para raspar áreas más grandes y la punta para las áreas más pequeñas.
• Limpia la espátula cuando termines de pintar. Sólo límpiala con un paño, asegurándote de que quitar toda la pintura y dejar la espátula seca.
• Para extender grandes masas de color, se sujeta el mango con fuerza, con la base plana de la espátula tocando totalmente el lienzo.
• Para toques más sutiles se sujeta la espátula apoyando el dedo índice sobre la parte elástica de la hoja y así movemos la punta de la espátula para aplicar la pintura.
• Sujeción habitual. Se sujeta por el mango de madera con el dedo índice sobre el puente de acero.

¿Qué es un lienzo? - Tècnica de òleo

  Es el soporte sobre el que se pinta, del mismo modo que el papel es el soporte de una pintura a la acuarela. Se compone de tres elementos: a) el bastidor, b) la tela y c) la imprimación. El bastidor es un marco de madera al que se grapa la tela de forma que quede tensa, como un tambor. A la tela se le ha aplicado previamente una primera capa de pintura especial para que el óleo se adhiera perfectamente al soporte. Dicha capa de pintura recibe el nombre de «imprimación». Existen dos tipos de lienzos: los de «estudio» y los de «artista». Los de estudio son de tela de algodón y poliéster, es un lienzo más corriente. Los de artistas son telas de lino, con variedad de grososes en el hilo y diferentes separaciones de trama. Son los más resistentes. En cuanto a las imprimaciones existen dos variedades: las de «aceite» y las «universales». Las de aceite sólo sirven para pintar al óleo; en las universales, además se puede pintar con pinturas al óleo o acrílicas. Las imprimaciones de los lienzos para artista están hechas con más perfección. En su comercio de bellas artes pida una tarjeta en la que se describen todas las medidas de lienzos que se venden. Detrás del cuadro, el bastidor tiene unas cuñas para mantener tensa la tela. Es mejor que las clave suavemente con un martillo antes de pintar el cuadro. Una vez seca la pintura de su cuadro al óleo, si se tensa demasiado el lienzo con las cuñas provocará grietas microscópicas o visibles en las esquinas u otras zonas.
 

¿Qué es el barniz? Es un líquido transparente que se vende en tarro o en spray con el fin de aplicar una capa protectora a la pintura al óleo. El barniz puede ser brillante, satinado o mate. Las pinturas al óleo necesitan barniz para prolongar su conservación. Solamente se puede barnizar los cuadros con barnices especiales para cuadros, de ninguna manera se deben usar barnices industriales.

¿Qué es un medio?, tècnica de òleo

  Es un diluyente de la pintura para fluidificarla, pero que no se evapora como la esencia de trementina, sino que formará parte de la capa de pintura para siempre. Un medio tradicional de pintura al óleo es la mezcla al 50% de aceite de linaza purificado y esencia de trementina. Los fabricantes de productos para las bellas artes ofrecen actualmente «medios para pintar» que superan al medio tradicional de aceite de linaza. En su comercio habitual puede pedir un folleto de materiales auxiliares donde consultar los medios que se ofrecen. Los medios se dividen en a) de secado rápido, medio o lento y b) medios para primeras capas, para capas intermedias, para empastes o para veladuras.
Es un gran, gran error el pensar que las fórmulas de medios para disolver la pintura y hacer veladuras de los antiguos maestros eran mejores que los actuales. Ellos se servían de los materiales a su alcance, pero que actualmente han sido superados por los materiales modernos. Es más, si intenta reproducir una fórmula antigua lo estará haciendo con productos actuales sin ser exactamente la fórmula antigua. No encontrará los materiales antiguos, muy pocos se siguen produciendo.

¿Qué es el disolvente? Tècnica òleo

Como la pintura al óleo es pastosa, se necesita transformarla a un estado menos pastoso, para ello se mezcla con un poco de disolvente o diluyente. Existen para el óleo tres tipos de disolventes: a) la esencia de trementina rectificada, b) el aguarrás mineral y c) el disolvente sin olor. La esencia de trementina es el disolvente más tradicional, la mejor variedad es la «esencia de trementina rectificada o doblemente rectificada» la más refinada y pura. Cuando se evapora, la esencia de trementina desaparece por completo. La que se venden en droguerías destinada a pintores de brocha gorda están menos refinadas. Cuando la compre ha de estar completamente transparente. Si posee un tono amarillento es porque está en mal estado. El aguarrás mineral es un sustituto de la esencia de trementina que se obtiene del petróleo, recibe el nombre común de «símil del aguarrás» o «sustituto del aguarrás», no envejece como la trementina y es de evaporación algo más lenta, desapareciendo también por completo. El problema de la esencia de trementina y del aguarrás mineral es su fuerte olor. Para solucionar dicho problema se ha inventado el «disolvente o diluyente sin olor» (de venta en tiendas de bellas artes o en tiendas de pintura doméstica), que es un aguarrás mineral desaromatizado. Si está en una academia con muchos alumnos, el profesor puede pedirle que use esté tipo de disolvente, pues la acumulación de vapores de la esencia de trementina y del aguarrás mineral puede llegar a marear al alumnado. No use «disolvente universal», pues es un disolvente de tolueno fuerte, para eliminar pintura seca caida al suelo o en brochas, no se usa en ninguna etapa de la pintura al óleo.

Tècnica del ôleo

Autor:  http://www.pinturayartistas.com/tecnicas-de-pintura-el-oleo/
El óleo es una de las mejores técnicas para pintar profesionalmente. Se trata de una mezcla de resinas y aceites con pigmentos. Los aceites le dan fluidez, y con los pigmentos, se puede hacer la pintura más espesa y dura.
Las pinturas al óleo aportan mucha capacidad de representación porque nos permiten crear muchas tonalidades y la calidad de los colores es muy alta. Se puede trabajar despacio porque se seca lentamente, lo que permite hacer degradados, fundidos y sombreados tranquilamente mientras observamos la realidad. Pero sobretodo su éxito radica en que una vez seca, la pintura continúa teniendo un color vivo y potente, gracias a sus bases aceitosas.
Además, podemos crear nuestras propias pinturas al óleo: Ver la receta para la fabricación del óleo.

Ventajas de la pintura al óleo:

• Color excelente. Según la marca podemos encontrar colores creados con pigmentos de mucha calidad. Por ejemplo los óleos MAIMERI PURO, con unos pigmentos muy buenos y especiales.
• Control del espesor o la fluidez de la pintura. Permite empastes y veladuras. Las pinturas al óleo se pueden disolver con aceites, esencia de trementina y otros mediums para óleo y también se pueden espesar utilizando pigmentos y  oleopasto, una masa espesa especial para mezclar con óleos.
• Material persistente en el tiempo y buena calidad de las pinturas. El óleo existe desde finales del siglo XIV, y las obras de arte continúan con un color fresco y vivo, después de algunos procesos de limpieza y restauración.

Desventajas:

• El óleo, normalmente, se maneja con Esencia de trementina (aguarrás), que es tóxica y apesta. Por ello es necesario un sitio con ventilación. Hoy en día existen nuevos óleos que no huelen y se pueden diluir también con otros medios sin tanto olor ni toxicidad.
• El tiempo que necesita el óleo para secarse se puede intentar reducir o alargar con otros líquidos químicos diseñados para ello, los secativos. Pero el secado nunca será inmediato.

Empezar a pintar rápido. Receta para ponerse rápidamente a pintar:

1. Tener un sitio que puedas preparar y dejar listo con lo siguiente:

• Un caballete para el lienzo o madera.
• Una caja de pinturas al óleo, una paleta o soporte para mezclar los colores (yo uso un plato, un azulejo, un cristal) y los médium (líquidos para disolver).
• Un montón de pinceles buenos de todos los tamaños y formas.  Leer más información sobre los pinceles.
• El sitio debe tener aire y luz de calidad.

2. Tener una idea cuanto más clara mejor de lo que se quiere hacer.
3. Disponer de por lo menos dos horas, porque si no, no merece la pena ponerse.
Calcular el tiempo que se necesita para 1) concentrarse, 2) prepararse a pintar, 3) el tiempo que se usa para limpiar y 4) tiempo para recoger materiales al final. Ese tiempo se resta al total y con eso sabes el tiempo que se tiene realmente para pintar.
4. No recibir visitas ni interrupciones de ningún tipo. Y menos si te van a dar sus opiniones.

El móvil apagado. Mucho cuidado con los sonidos que nos rodean e influencian.
5. Calcular el grado de comodidad y si hay algo que molesta, detectarlo y arreglarlo.
Que las cosas estén organizadas y que sea fácil acceder a lo que se necesita es muy importante.

Técnicas sobre la pintura al óleo.

1. Influencia de la Imprimación y el Soporte.

• Pintar sobre imprimación en blanco. Se utiliza sobre todo si se desea ir coloreando desde la luz. Muy usado en marinas y paisajes.
• Pintar sobre un soporte coloreado. Pensando que ese color influirá o forma parte de la obra. Por ejemplo, esta técnica se usa para hacer retratos que surgen de la oscuridad (como en el barroco, donde pintaban de marrón la tela antes de pintar). Y se usa también en otros estilos modernos donde se deja entre ver el color base.
• También influenciará en la obra cómo es el soporte elegido: papeles, cartones, maderas, tablex, lienzos, tipos de telas, y otros que se puedan elegir.

2. Capacidad expresiva del empaste.
El empaste se puede usar de muchas formas: pintura con espátula, puntillismo o pinceladas, trabajo de pincel, texturas aplicadas con pasta de color, oleopasto y collage, entre otros medios que la imaginación pueda diseñar.
También influye en la obra si aplicamos a la imprimación una textura específica. Podemos elegir entre polvo de mármol, piedra pómez, arena u otros similares. Nunca con materiales orgánicos. Sobre este tema se puede ver la entrada: Materiales para crear texturas en los cuadros.
3. Veladuras, Transparencias y Trabajos tonales.
La veladura funciona mejor o peor según los colores que estemos mezclando y en qué orden. Pero esto ya es una búsqueda expresiva que se debe buscar a propósito. Esto es porque hay colores que son transparentes y otros que son opacos.
Las transparencias o veladuras se pueden crear como efectos ópticos y trucos visuales que la pintura logra. Sobretodo con el trabajo de control del disolvente, el tono y el color.
Más información sobre Veladuras.
4. Fusión de Colores.
Se lleva a cabo gracias a la humedad de la pintura durante el tiempo de secado. Por lo tanto, es un trabajo sobretodo con los disolventes y la pintura húmeda para alargar ese tiempo de secado. Se utiliza tanto húmedo sobre húmedo como la técnica del pincel seco para crear degradados.

Fórmula para imprimir o darle tersura a papeles y telas. La imprimación

La imprimación es el proceso por el cual se prepara una superficie para un posterior pintado. A la superficie ya imprimada se le llama soporte.  Los soportes más usuales en la historia han sido: paredes, tablas de madera, lienzos de tela y papel.
Las funciones de esta capa de imprimación son básicamente dos: tapar los poros o sellarlos, y mejorar de la adherencia.
Como selladora la capa de imprimación se ocupa de tapar los poros de la superficie sobre la que vamos a pintar. Si se trata de yeso o cemento ayuda a evitar la aparición de manchas de humedad, si se trata de una superficie de madera contribuye a evitar la aparición de hongos. En ambos casos como efecto del tapado de poros tendremos que vamos a necesitar menos pintura para cubrir la superficie que la que haría falta pintando directamente.

Solución de almidón para preparar papel y tela:

1 parte de almidón vegetal

3 partes de agua fría

3 partes de agua hirviendo

20 gotas de formaldehido

Procedimiento.

Diluir la parte de almidón vegetal en las 3 partes de agua fría removiendo bien sin dejar que se empelote, se esto sucede hay que colar la preparación. Una vez diluido, echarlo poco a poco y mezclarlo bien en el agua hirviendo (fuera del fuego) hasta que se vea la solución clara y suave. Dejar enfriar y agregarle las 20 gotas de formaldehido

Esta fórmula puede ser usada para imprimir o darle tersura a papeles y telas.

Con el papel se procederá a la técnica de inmersión y secado con brocha.

Con la tela se aplicara con una brocha solo por el lado que se va a pintar.

¿Por qué esta craquelada la pintura al óleo?

   Existen muchas razones por las cuales se  craquela y  deteriora la pintura, por una parte debemos tener claro que la frase que dice que son como el agua y el aceite refiriéndose a dos personas incompatibles también aplica para las diferentes técnicas pictóricas.

   Tenemos materiales  a base de agua como son el acrílico, la acuarela, el guache; y tenemos  con base aceitosa como el óleo. Si tratamos de mezclar un material a base de agua como el oleó (base de aceite), el resultado es que a corto o mediano plazo se deteriore la capa pictórica sencillamente por ser incompatibles.

   Otra razón que puede causar el craquelado de la pintura es cuando por ejemplo lavamos nuestros pinceles con algún químico y no retiramos adecuadamente  los residuos del mismo. Les comento que he perdido muchos trabajos por este error, así que lave muy  bien sus pinceles con agua y jabón, enjuague hasta que el agua este clara.

   Asimismo existen otros factores que afectan la conservación de nuestras pinturas como: el secado demasiado rápido, los cambios bruscos de la temperatura, la mala calidad de los materiales que compramos (a veces lo barato sale caro), colocar la obra en un lugar demasiado húmedo, colocarla en un lugar donde le da el sol directo, lugares donde el aire contiene mucho salitre (cerca del mar).  El resultado es que la obra se va decolorando, deteriorando y perdiendo sus cualidades iniciales con el tiempo (¿no se han dado cuenta que en el museo las obras delicadas o viejas las colocan en un sitio más oscuro, en control de humedad  y  temperatura?) todo esto son factores que dañan la capa pictórica de nuestras obras y las cuales debemos considerar si nos interesa conservar las pinturas que hacemos o compramos por mucho tiempo.

Preparando soporte para pintar en oleo.

Es económico y fácil de preparar sus propios soportes. Uno de los materiales utilizados es el gesso, un producto de polímero con los mismos ingredientes de la base como pintura acrílica es un buen material de revestimiento debido a que prepara y juntas a la vez. Es también de secado rápido y está disponible en cualquier tienda de arte. Utilice un panel estándar de 1/8 "de madera y lije la superficie hasta que el brillo se ha ido. A continuación, aplicar dos o tres capas de gesso, lijar la superficie entre capa y capa, y con movimientos horizontales y verticales para una cobertura uniforme y para dar a la superficie un poco de textura. El gesso es normalmente de color blanco.

Preparing your own support

It`s economical and easy to prime your own supports. Gesso, a polymer product with the same base ingredients as acrylic paint is a great coating material because it primes and seals at once. It`s also fast-drying and is available at any art supply store. Use a standard 1/8” pressed- wood panel from the lumber store, and sandpaper its surface until the shine is gone. Then apply two or three coats of gesso, sanding the surface in between coats and using both horizontal and vertical strokes for even coverage and to give the surface some texture.

Técnicas pictóricas o métodos de ejecución de una obra de arte:

Acuarela:

Esta técnica utiliza pigmentos muy finos molidos con agua y goma, su principal propiedad es que permite hermosos efectos de trasparencias.

El soporte para esta técnica es el papel en preferencia. El grano del papel es una cualidad aprovechable para el efecto técnico; el grano que más se emplea es el medio, pues las superficies muy alisadas no son prácticas para la acuarela.

Los papeles cuando no son muy gruesos requieren ser estirados; para esto se impregnan bien de agua en la bañera. Se extienden sobre un tablero corriente de dibujo y pegan por los cuatro lados con unas tiras engomadas o cinta adhesiva; al secar quedan tersos y suaves.

Los métodos para trabajar con la acuarela pueden ser sobre papel seco o húmedo. Para trabajar con el papel seco es importante primero realizar un tenue dibujo a lápiz o con el pincel impregnado de un tono muy diluido, suave y neutro de color.

Para trabajar sobre el papel húmedo se moja bien el papel por aproximadamente una hora y se extiende sobre un cristal para mantenerlo lo más húmedo posible durante mayor tiempo. Los colores que se usen deben ser intensos, pues la humedad reduce y desvanece el color. Se puede combinar el método del papel seco y húmedo.

Gouache:

Este es simplemente una acuarela mezclada con blanco, lo qe produce una cualidad opaca, colores pesados y poco frescos, es conveniente usar los gouaches de buenas marcas. Estos colores cuando secan reducen mucho su valor y intensidad.

El soporte puede ser papel, cartón, madera o cualquier otra superficie no grasa; los mejores papeles o cartulinas para esta técnica son los que se usan para acuarela en tono gris, crema o cualquier otro color neutro. En esta técnica se usan pinceles suaves.

Pastel:

Este procedimiento mantiene muy bien el color ya que no interviene ningún medio líquido que lo altere, sus inconvenientes son la fijación del pigmento. Como soporte se utiliza papeles, cartones o superficies porosas donde se pueda adherir el pigmento. La gracia del pastel radica en la intensidad de los colores y el fundido o degradados de colores que se pueden lograr. Existen fijadores en spray para esta técnica.

Temple:

Se refiere a una pintura en la que se usa un médium que es soluble en agua pero que una vez seco se hace insoluble y puede ser sobrepintado.

Fresco:

Este procedimiento y el temple fueron utilizados desde la antigüedad para la decoración mural. Aunque actualmente se usa el òleo sobre lienzo que luego se adhieren a la pared, nunca tendrán la belleza mateada, ligera y fresca de los procedimientos tradicionales, ni tampoco su durabilidad tanto en exteriores como interiores.

Pintura a la encáustica:

Este método fue muy usado por los griego y egipcios y a resurgido en la pintura mural de los artistas mexicanos. Esta técnica mantiene los colores brillantes, permanentes y son fáciles de aplicar en cualquier soporte.

La encáustica es trabajada en caliente y en frio. En caliente se muele el color con un médium de cera de abajas y copal, una y otra partes iguales y bien se desmenuzada  la primera y pulverizado el segundo son puestos en recipientes separados y cubiertos con esencia de lavanda; esta se podrá sustituir por gasolina pues resulta màs económica.

Cada recipiente se pone en baño maría hasta que se funde y mezcla bien. Seguidamente se unen ambas soluciones y la mezcla resultante se usa para aglutinar los colores en polvo; estos se conservan en potes bien cerrados.

La mezcla de cera para encáustica utilizada por muchos artistas de encáustica en la actualidad se compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar. Otros tipos de cera que también se puede utilizar para la encáustica son la parafina y el microcristalino, ambos derivados del petróleo, y la carnuba y la candelia, que son resinas.