Como crear armonías del color:

Existen 4 formas básicas para crear armonías de color y son:

Conoce algunos principios básicos para lograr una buena composición:

¿Qué es la composición en el arte? y principales formas de crear composición visual principios.

  

Primero que nada debemos estar claros de lo que significa composición en el caso de las artes visuales hablar de composición se refiere a la sensación de equilibrio, armonía que produce una imagen visual sea fotografía, cartel, ilustración, pintura e incluso una escultura. Por supuesto que la composición puede estar basada en la sensación de caída o desequilibrio pero eso es algo que va a depender de cada hacedor

 

 

Todos podemos ser creativos.

¿Qué es la creatividad?, ¿Qué significa ser creativo?, ¿Cómo estimular la creatividad en los niños?, ¿Cómo es una persona creativa?, etapas del proceso creativo, ¿Cómo liberar la creatividad?


Se dice que la creatividad consiste en  la capacidad que tenemos para encontrar soluciones aplicables a los pequeños o grandes inconvenientes de la vida diaria, responder novedosamente a diferentes situaciones, ver lo oculto, ser original y atreverse a romper paradigmas.
 

Paiting landscapes - Pintura del paisaje

     El paisaje como tema principal empezó a considerarse a partir del renacimiento, por lo menos en el mundo occidental, ya que en el oriente es decir países asiáticos en especial china, el paisaje siempre ha tenido una gran importancia como tema y lo abordan de manera muy diferente a como lo hacen los occidentales.

Retrato de joven morena con chimo - Ejercicio práctico.

En el día de hoy les presento este ejercicio de un retrato realizado con chimo; la cual consiste en una pasta hecha con tabaco que tiene un color sepia muy atractivo para crear retratos y paisajes, lo pueden diluir con agua o con alcohol si desean un secado rápido, en esta oportunidad utilice una cartulina Bristol, la cual no es la ideal ya que esta es para dibujar y no para trabajar con agua. Sin embargo,  si manejan el material pueden trabajar sobre esta cartulina, lo ideal es realizarlo sobre una cartulina especial para acuarela con un gramaje de 150 a 250 gr, eso dependerá del gusto de cada quien y también el granulado de la cartulina que elijan influirá sobre el resultado de su trabajo, todo depende de sus intenciones.

Recuerden que lo más importante en un trabajo de dibujo y pintura es realizar bien la estructura o boceto previo de nuestro motivo.

Importancia de la luz - tipos

En todo dibujo donde se busque crear volumen, en los objetos que se desean representar, hay que considerar la iluminación que tiene el objeto, detenerse a evaluar la dirección de la luz, el tipo de luz y cómo podemos mejorar la presencia del objeto al mejorar la iluminación del mismo o cambiando su posición en el espacio.

Mientras exista luz todos los objetos tendrán sombras  y es lo que nos permite reconocer la forma y masa de todas las cosas que observamos.

Existen como muchos ya saben la luz artificial, que dependiendo de su tipo puede afectar el color de los objetos que ilumina con un tono amarillento o azulado, además de que, por ser una fuente de luz pequeña se propaga en línea recta; a diferencia de la luz natural que se propaga de forma paralela debido al tamaño del sol.

Asimismo la luz puede incidir de diferente manera sobre los objetos:

•  De forma directa cuando tiene contacto directo con el objeto.
•  Difusa: cuando esta atenuada por algún elemento que puede encontrase entre la luz y el objeto creando una iluminación más suave y con menor contraste.
• Y la luz reflejada que surge cuando la luz choca sobre un cuerpo y esta rebota iluminando otros cuerpos. Esta luz es más suave que la directa y su fuerza va a depender de la capacidad de reflexión del la luz del cuerpo en donde se refleje la luz.

Asimismo, existen diferentes tipos de iluminación según la dirección en que se encuentre la fuente de luz y son:

• Iluminación cenital: cuando la luz incide en la parte superior del objeto, este tipo de iluminación crea sombra duras, con pocos tonos medios y no es recomendable para la realización de retratos, destaca demasiado las zonas claras y oscuras.
• Iluminación lateral: que puede ser derecha o izquierda, es el mejor  iluminación , los contrastes son más suaves, crea mayor cantidad de tonos medios, por lo que se aprecia mejor la profundidad y volumen de los objetos, destacando su textura, es muy usada para los retratos. Es la razón por los cual, muchos artistas prefieren pintar los paisajes en las primeras horas de la mañana, cuando el sol está inclinado sobre el horizonte y la iluminación es lateral.
•  Iluminación centrifuga o frontal es la que viene de frente al objeto, lo aplana y  elimina parte de las textura del mismo, ejemplo típico es la iluminación que da el flash de las cámaras fotográficas.
• Contrapicado: es el tipo de iluminación que viene desde abajo del objeto y  crear sombras misteriosas y antinaturales.
•   Contraluz: se trata de una iluminación que esta detrás del objeto y que resalta la forma general del mismo pero elimina todo volumen, crea formas abstractas.
• Por último la iluminación enfática que se usa para destacar un objeto o zona determina del mismo.

La marca de agua- usos, watermarking

Ante todo una marca de agua consiste en signar una imagen generalmente con el nombre, firma de su autor, sea artista, fotógrafo, diseñador o empresa.

La marca de agua puede ser:

La técnica tradicional usada en los trabajos de artes graficas: grabados, litografías, xilografías entre otros; donde el artista graba el papel haciendo un relieve que indica su firma o nombre, con el fin de identificarla. En este caso el artista fábrica previamente una especie de sello y se procede a sumergir el papel en agua, inmediatamente que se retira del agua,  se seca lo suficiente, para en una prensa pasar el papel con el sello sin entintar para que así quede marcada la forma del sello en relieve, una vez seco el papel este mantiene su forma y nos queda marcado. 

Asimismo, la técnica digital es usada en imágenes o documentos digitalizados sean: fotografías, diseños, obras de arte, presupuestos, ebooks, etc. Esta marca de agua se trata siempre de una imagen transparente sea texto o imagen que se ubica generalmente en el centro del documento o repetido en todo el documento como una sombra, sin impedir ver la imagen o texto que lo contiene. Existen programas que permiten realizar marcas de agua como el Microsoft Word, el adobe  photoshop , entre otros.

La marcas de agua tiene como función: identificar la obra, fotografía o imagen para tener idea de a quién pertenece la misma o quien la realizó; proteger la imagen de plagio y resguardar los derechos de autor para evitar su uso arbitrario por terceros que deseen presentarla como propia o como una manera de personalizar un trabajo .

Así que, cuando bajen una imagen por internet colócale su marca de agua.

Los tres estados del aprendizaje de la pintura:

Cuando por primera vez surge en nosotros la inquietud por aprender a dibujar o pintar, se siente un regocijo y a la vez un sentimiento de incertidumbre sobre si alguna vez podremos lograr lo que hace nuestro profesor, entramos en una primera etapa de descubrimiento de los materiales y las técnicas, no esforzamos por hacer todos nuestros dibujos o pinturas aplicado los conceptos recibidos de nuestro mentor, es la etapa de tratar, de hacer lo correcto y estudiar todas las reglas básicas.

Como abordar una obra de arte, inicio de la creación orientado hacia el paisaje.

Cuando se empieza a pintar el artista debe estar cómodo y concentrar su espíritu en conseguir captar lo esencial y alma de las cosas que está observando, es lo primero que debe hacer antes de lanzar la primera línea. Debe sentir la temperatura, el aire, la humedad, las luces, las sombras y los colores, visualizar cada uno de los elementos y decidir cual va ser el eje central de su pintura. A que le va a dar mayor importancia. Sólo así logrará crear una pintura que transmita algo más que belleza y dominio técnico. Preguntarse: ¿Qué es lo que más me gusta de lo que veo y porque?, ¿Qué es lo que me transmite, lo que siento?.

El artista ha de ver el paisaje e identificarse con él, revelar su significado, no conformarse con copiar lo que ve y descubrir todas sus cualidades escondidas. Debe descubrir las diferencias de color o matices y tonos según las horas del día y las estaciones del año. Debe ser junto con el paisaje; así, cuando sus ojos estén extasiados con la multitud de imágenes, formas, luces y colores, estructurar su pintura haciendo un dibujo previo o boceto donde se le dé forma al paisaje, considerando la proporción entre cada elemento. 

En principio debe determinar cómo va a ser observado su paisaje y establecer así donde colocará la línea de horizonte que separa cielo y tierra, esto le dará la perspectiva- la profundidad. Lo que nunca deberá hacer es colocar la línea de horizonte justo en el centro de su lienzo ya que el efecto óptico es de un cuadro partido en dos, salvo que tenga toda la intencionalidad de que se vea de esa manera, en ese caso debe ser irreverente en su hacer, para que el resultado no se vea como un error, sino como una osadía. 

Ya realizado este paso se comenzara a dibujar el elemento más amplio, grande, o destacado de nuestro paisaje o en su defecto aquello que deseamos resaltar ubicándolo equilibradamente en el espacio blanco del lienzo determinando el ancho y alto del mismo. Es decir; decidir cuánto espacio va a ocupar, seguidamente podemos ir dibujando el resto de los elementos determinando ante todo su ubicación y luego las formas. Seguidamente, podemos si queremos dibujar algunos detalles ya que el resto lo haremos con la pintura.

"Es un consejo personal de que para lograr una buena pintura esta debe tener de base un buen dibujo."

Terminado nuestro dibujo procederemos a colocar la mancha general de colores para luego ir agregando tonalidades y sombras, retirándonos cada cierto tiempo del lienzo, del papel o de la obra para verla a distancia y apreciar la totalidad de lo que se va pintando. Si una zona de la pintura nos da algún problema o duda es mejor dejarla y seguir con otra zona para retomarla nuevamente, cuando nuestra mente este más sosegada. No sea testarudo y evite forzar el proceso creativo, este debe fluir como el agua que corre entre las piedras de un rio.

Así ya terminado nuestro paisaje, si este no logra dejarnos alguna sensación, emoción o sentimiento, significa que no ha sido suficiente nuestra observación del mismo y hemos fracasado en captar la esencia de nuestro motivo en este caso el paisaje. Puede que su hechura no sea la mejor pero lo que trasmite una pintura puede transcender en ocasiones sus fallas técnicas. Lo que no significa que no deba esforzarse por lograr mejorar su técnica cada día más. 

Si fracasa o simplemente no le agrada el resultado inténtelo de nuevo y recuerde que es un escalón más para lograr lo que desea.

SAKIR GÖKCEBAG, Obra con rollos de papel

Artista Turco es conocido por sus Obras siempre experimentales que han ido desde usar Frutas y crear collages con ellas para buscar formas jamás vistas hasta utilizar Rollos de Papel Higiénico para mostrarle al público que se puede crear con todo lo que uno tiene al alcance de las manos.

http://www.pprivado.com/2012/11/sakir-gokcebag/ 

Arte dentro de un rollo de papel higiénico

Arte de cartón dentro de un rollo de papel  higiénico. Vida misma en el interior de un tubo de papel higiénico.  Anastassia Elias es la artífice de estas deliciosas representaciones de  actividad cotidiana atrapadas en un elemento considerado casi siempre  ramplón. Pero no. En este caso, las mini-obras de arte de cartón, casi  fotográficas, de esta artista francesa son un modelo de virtuosismo,  talento y espíritu de reciclaje a raudales. Un ejemplo a seguir para  todas aquellas personas que buscan la forma de conjugar la reutilización  de materiales tan cotidianos como el papel o el cartón con el  entretenimiento, la imaginación y las manualidades
http://www.behance.net/Gallery/Paper-cuts-Rolls/241623

Guía pensada para ayudar a los artistas que están desarrollando un proyecto expositivo

Por Yamandú Cuevas 

Sobre la presencia gráfica de la carpeta

Cuando el proyecto va ser presentado a una convocatoria, debemos tener en cuenta que los jurados van a leer y ver muchas más carpetas que las que desearían; que el de ellos es un trabajo que además de arduo puede llegar a ser muy tedioso, y que en este marco, ellos agradecerán -casi sin saberlo- la austeridad gráfica, la simpleza, las buenas fotos, los blancos de descanso, un correcto y claro tabulado y todo lo que contribuya a una lectura ágil y placentera.

Una carpeta encuadernada (con costilla de lomo, enrulada, con tapas transparentes, etc.) siempre es mejor recibida que la simplemente engrampada, y habla sobre el cuidado que ponemos en los detalles.

Luego, la carátula es el rostro de la carpeta. Debe tener toda la información indispensable a la vez que ninguna que no sea estrictamente necesaria. 3

Contenidos de la carátula

1) Título: Nombre del proyecto.

2) Subtítulo: Título secundario descriptivo del proyecto.

Formule el subtítulo de modo que (en lo posible) no supere las diez palabras, y una vez formulado, intente expresar el mismo contenido con la menor cantidad de palabras posible.

Ejemplo:

Título: Proyecto “Círculo enfermo”

Subtítulo: Conversaciones sobre la violencia.

3) Nombre del artista.

4) Nombre del curador de la muestra.

5) Nombre de la convocatoria.

6) Sala de exposición (si está definida): Nombre y dirección.

7) Fecha de exposición (inauguración, final y horarios de funcionamiento).

8) Auspicios, apoyos y patrocinios (logotipos).

Texto curatorial 

Texto de presentación y contextualización elaborado por el Curador de la muestra. (Máximo 1 carilla). 

Fundamentación teórica del proyecto

Este texto debe exponer –sintéticamente- el principal grupo de conceptos que utilizamos al desarrollar nuestra obra, desde qué ángulo los abordaremos y con qué objetivo.

 

Descripción resumida del proyecto

Esta otra sección deberá desarrollar la esencia de nuestro proyecto aunque no por ello dejar de ser breve. Es la presentación del proyecto y su construcción debería contemplar esta estructura:

- Contextualización

- Base conceptual

- Ángulo de análisis

- Objetivos

- Descripción de proceso creativo

- Elección de técnicas empleadas

- Obra (imágenes a modo de sinopsis representativa)

Descripción de la obra

Tendremos en cuenta dos aspectos de la obra:

- Cómo se relaciona con el público (iluminación, textos, audios, tránsitos).

- Cómo se relaciona con el espacio (planimetrías, maquetas, descripciones puntuales

Ficha técnica de la muestra

1) Categoría.

Ejemplo: Instalación.

2) Técnica.

Ejemplo: ensamble de figuras recortadas en madera, muebles, libros de artista y fotografías + audios incidentales. Medidas variables.

3) Excepciones.

Ejemplo: Los lunes de cada semana, de 19 a 19.30 hs. sobre una de las paredes de la sala preparada a tales efectos, se proyectará el texto animado “Enfermo” 4 veces seguidas. Duración 7 minutos (total: 28 minutos).

Plan de realización

- Requerimientos técnicos (solicitud de proyectores, monitores, luces especiales, etc.)

- Plan de montaje de la obra (cronograma, tiempo estimado de trabajo en sala).

- Plan de desarmado de la muestra (ídem anterior).

Presupuesto

Si se trata de una convocatoria que va a financiar parcial o totalmente el proyecto, se debe presentar un informe exhaustivo en forma de planilla que detalle costos de recursos humanos, traslados, gráficos, impresos, cartelería, materiales, etc., y precios de todo (parciales y totales). Independientemente de los llamados y las convocatorias, siempre es bueno presupuestar el proyecto, ya sea para saber cuánto apoyo o cuánta inversión necesitaremos para realizarlo. 6

Búsqueda de apoyos económicos

Esta carpeta de presentación (junto a las demos que podamos realizar para apoyarla) nos será de mucha utilidad a la hora de las entrevistas con los auspiciantes y patrocinadores, ya que será el objeto tangible que quedará en posesión de ellos cuando la entrevista haya finalizado y ya no estemos allí para fundamentar el proyecto. Es importante, por tanto, dedicar una sección a plantear variantes de apoyos económicos parciales y totales, y una propuesta clara de qué ofrecemos a cambio. 

Plan de cartelería interna y externa

Según las características de la sala, preveremos que la exposición esté claramente anunciada desde el exterior con uno o más carteles. En el interior, debemos tener en cuenta que los textos que reciben al público deben tener un tamaño y una presencia adecuados (ploteos en vinilo de corte adhesivo) y que los módulos -si los hubiera- y las obras deben exhibir una ficha técnica claramente visible. 

Plan de promoción

Los planes de publicidad y promociones siempre van a depender del dinero que dispongamos para esos rubros. En cualquier caso es conveniente distribuir los recursos disponibles entre estas categorías:

1) Medios masivos de comunicación (prensa, radio, tv, vía pública, etc.).

2) Web (publicidad en portales afines, eventos Facebook, campañas Twitter, etc.).

3) Materiales informativos (invitaciones, catálogos, afiches y volantes impresos y digitales, etc.).

Currículo breve

Este currículo debe tener (como máximo) 5 renglones, para que en una leída rápida, jurados, auspiciantes e interesados en general, conozcan nuestra trayectoria artística. En él deben constar algunos datos elementales como la nacionalidad y el año de nacimiento del artista, junto a los datos más relevantes sobre:

1) Estudios cursados.

2) Principales muestras.

3) Premios y distinciones.

Currículo completo

En este otro currículo podremos poner todo cuanto nos parezca pertinente porque está destinado justamente a aquellos que en instancias de toma de decisiones y de interés en profundizar en el conocimiento sobre el artista, se tomarán el tiempo de leerlo.

De todas maneras, es importante no excederse en detalles menores. También debemos tener en cuenta que es mucho más práctico para el lector acceder primero a los datos más recientes, por lo que se recomienda ordenar el currículo de forma cronológicamente inversa.

Documentación anexa

Toda documentación que se estime importante y que complemente algo de lo que se describe en el proyecto puede ser incluida en este apartado (planos, textos, notas de prensa, detalles, etc.).