21 de agosto de 2013

Problemas del arte contemporáneo:



El arte contemporáneo propone una diferencia radical entre como se realiza, como se propone y se organiza una obra de arte y su relación con la realidad; no se le puede trasladar ningún código para entenderla, cada obra es autónoma, su interpretación y sus códigos están dadas por la obra misma.
La obra se muestra más como un suceso o acontecimiento, mas una situación que como un objeto, en un espacio de desprendimiento del concepto de la cosa y de la experiencia.
La novedad en la obra contemporánea está en la pureza del arte, se diluye el soporte, sea porque se convierte en obra, en elemento de expresión o desaparece.
El arte contemporáneo tiene cierta levedad, una manera de ser. Se relaciona con el problema de la memoria como cultura presente en la actualidad.
El puro medio puede ser el contenido, habla de los materiales y de los efectos con ausencia de estructuras estilísticas, de formas.
En fin la obra contemporánea no exige que la vea sino que se experimente, es mucho más comprometedora del individuo que la ve y no permite el simple mirar.

Preparando soporte para pintar en oleo.


Es económico y fácil de preparar sus propios soportes. Uno de los materiales utilizados es el gesso, un producto de polímero con los mismos ingredientes de la base como pintura acrílica es un buen material de revestimiento debido a que prepara y juntas a la vez. Es también de secado rápido y está disponible en cualquier tienda de arte. Utilice un panel estándar de 1/8 "de madera y lije la superficie hasta que el brillo se ha ido. A continuación, aplicar dos o tres capas de gesso, lijar la superficie entre capa y capa, y con movimientos horizontales y verticales para una cobertura uniforme y para dar a la superficie un poco de textura. El gesso es normalmente de color blanco.

Preparing your own support
It`s economical and easy to prime your own supports. Gesso, a polymer product with the same base ingredients as acrylic paint is a great coating material because it primes and seals at once. It`s also fast-drying and is available at any art supply store. Use a standard 1/8” pressed- wood panel from the lumber store, and sandpaper its surface until the shine is gone. Then apply two or three coats of gesso, sanding the surface in between coats and using both horizontal and vertical strokes for even coverage and to give the surface some texture.

16 de agosto de 2013

Técnicas pictóricas o métodos de ejecución de una obra de arte:



Acuarela:
Esta técnica utiliza pigmentos muy finos molidos con agua y goma, su principal propiedad es que permite hermosos efectos de trasparencias.
El soporte para esta técnica es el papel en preferencia. El grano del papel es una cualidad aprovechable para el efecto técnico; el grano que más se emplea es el medio, pues las superficies muy alisadas no son prácticas para la acuarela.
Los papeles cuando no son muy gruesos requieren ser estirados; para esto se impregnan bien de agua en la bañera. Se extienden sobre un tablero corriente de dibujo y pegan por los cuatro lados con unas tiras engomadas o cinta adhesiva; al secar quedan tersos y suaves.
Los métodos para trabajar con la acuarela pueden ser sobre papel seco o húmedo. Para trabajar con el papel seco es importante primero realizar un tenue dibujo a lápiz o con el pincel impregnado de un tono muy diluido, suave y neutro de color.
Para trabajar sobre el papel húmedo se moja bien el papel por aproximadamente una hora y se extiende sobre un cristal para mantenerlo lo más húmedo posible durante mayor tiempo. Los colores que se usen deben ser intensos, pues la humedad reduce y desvanece el color. Se puede combinar el método del papel seco y húmedo.
Gouache:
Este es simplemente una acuarela mezclada con blanco, lo qe produce una cualidad opaca, colores pesados y poco frescos, es conveniente usar los gouaches de buenas marcas. Estos colores cuando secan reducen mucho su valor y intensidad.
El soporte puede ser papel, cartón, madera o cualquier otra superficie no grasa; los mejores papeles o cartulinas para esta técnica son los que se usan para acuarela en tono gris, crema o cualquier otro color neutro. En esta técnica se usan pinceles suaves.
Pastel:
Este procedimiento mantiene muy bien el color ya que no interviene ningún medio líquido que lo altere, sus inconvenientes son la fijación del pigmento. Como soporte se utiliza papeles, cartones o superficies porosas donde se pueda adherir el pigmento. La gracia del pastel radica en la intensidad de los colores y el fundido o degradados de colores que se pueden lograr. Existen fijadores en spray para esta técnica.
Temple:
Se refiere a una pintura en la que se usa un médium que es soluble en agua pero que una vez seco se hace insoluble y puede ser sobrepintado.
Fresco:
Este procedimiento y el temple fueron utilizados desde la antigüedad para la decoración mural. Aunque actualmente se usa el òleo sobre lienzo que luego se adhieren a la pared, nunca tendrán la belleza mateada, ligera y fresca de los procedimientos tradicionales, ni tampoco su durabilidad tanto en exteriores como interiores.
Pintura a la encáustica:
Este método fue muy usado por los griego y egipcios y a resurgido en la pintura mural de los artistas mexicanos. Esta técnica mantiene los colores brillantes, permanentes y son fáciles de aplicar en cualquier soporte.
La encáustica es trabajada en caliente y en frio. En caliente se muele el color con un médium de cera de abajas y copal, una y otra partes iguales y bien se desmenuzada  la primera y pulverizado el segundo son puestos en recipientes separados y cubiertos con esencia de lavanda; esta se podrá sustituir por gasolina pues resulta màs económica.
Cada recipiente se pone en baño maría hasta que se funde y mezcla bien. Seguidamente se unen ambas soluciones y la mezcla resultante se usa para aglutinar los colores en polvo; estos se conservan en potes bien cerrados.
La mezcla de cera para encáustica utilizada por muchos artistas de encáustica en la actualidad se compone de cera de abejas refinada, del tipo utilizado en cosmética, y resina de damar. Otros tipos de cera que también se puede utilizar para la encáustica son la parafina y el microcristalino, ambos derivados del petróleo, y la carnuba y la candelia, que son resinas.

14 de agosto de 2013

Tipos de Pinceles


Cada técnica pictórica necesita de un pincel determinado y cada pincel tiene su función.
En acuarela se utilizan pinceles de cerdas suaves con elasticidad y con una amplia curvatura del contorno que permitan tomar bien el color y lo extiendan fácilmente. Los pinceles suelen ser de pelo de marta, tejón, ardilla, etc., son costosos, duraderos y eficientes. Pero como todo hay que cuidarlos lavándolos bien con agua y jabón después de cada uso, secándolos y guardándolos en un lugar adecuado donde las cerdas no se maltraten.
En la pintura al óleo se utilizan los pinceles de cerdas un poco más duros que los de acuarela, sin embargo también hay pinceles de pelo fino que se usan en óleo, todo dependerá de lo que queremos lograr en la pintura.
Para fondear o imprimir se usan pinceles grandes y planos, para producir un efecto suave los pinceles de pelo de marta o suaves son los más adecuados.
Los pinceles deben tener buena forma, uniforme la distribución de sus cerdas, no tener pelos sueltos y conservar su forma natural o curvatura de la cerda.
Los pinceles para óleo se limpian con kerosene, tiner, trementina o linaza. Luego se deben lavar muy bien con agua y jabón, se secan con un paño sin estrujarlos ya que se deforman y dañan los pinceles. Los pinceles de acuarela se limpian con agua o con agua y jabón.
Cuando un pincel se endurece porque olvidamos lavarlos y le dejamos la pintura; podemos, cuando se trata de pinturas como acuarela, temple, acrílico o pega remojar en agua hasta que se ablande y se lava bien con agua y jabón tratando de desprender la pintura o la pega según sea el caso, Cuando se trata de pintura de óleo se puede remojar en trementina, linaza o kerosén varios días y luego se lava con agua y jabón.
Cuando el pelo del pincel se deforma se sumerge en aceite espesado al sol se le da forma con las manos y se deja varios días hasta que se recupere, luego se limpia.
El tamaño y textura que deseamos para la obra será la qué no diga cuales pinceles usar y los que sean más adecuados a cada caso.

Tipos de pinceles
Redondos: Se usan por lo general para hacer líneas y detalles, según su grosor.  Exigen más cuidado, pues su deterioro conduce a la pérdida de la forma.  Para reconocer un buen pincel redondo te recomiendo  si es posible que lo sumerjas en un poco de agua, ya que algunos pinceles de mala calidad logran la forma redonda mediante gomas que unen sus pelos, pero al perderse ésta el pincel queda “despeinado”.
Se utiliza sobre la punta, aplicando presión se puede dirigir el espesor de la pincelada. Es el pincel más importante para las técnicas de pinceladas clásicas,
Planos: Tienen sus pelos todos dispuestos del mismo tamaño y a la misma altura, sirven para mezclar colores, esparcir el óleo en superficies, hacer líneas tanto delgadas como gruesas.
Dentro de estos hay otras sub-categorías, como los cuadrados que son más cortos,  y los tipos brochas, que son para grandes superficies, entre otros.
Filbert ó Lengua de Gato: Es una fusión entre el pincel redondo y el plano, pues su forma es achatada pero en sus extremos los pelos son algo más cortos, curvados hacia el centro.  Tiene gran versatilidad pues sirve para mezclar colores, hacer detalles, pétalos, hojas, contornos definidos, etc. - Las pinceladas tienen los cantos suaves. Ideal para matizar y la forma facilita pintar muchos tipos de pétalo. También excelente para aplicar sombras y los de tamaño menor son ideales para aplicación de base y barniz, ya que su forma ovalada no deja “bordes” elevados en los extremos del pincel
Abanico: Su nombre describe su forma, son de muy fácil manejo y limpieza.  Muy útiles a la hora de pintar follajes, pasto, nubes, texturas, etc. Utilice el pincel de abanico seco, cargue dos colores para efectos de textura, ó utilícelo para suavizar otras pinceladas.
Delineador ó "liner", con filamentos más largos que el redondo y en general más delgado (existen liner # 8 y 10, pero siempre son menos "barrigon y con la punta más alargada que el pincel redondo del mismo tamaño) - Se utiliza para delineado, líneas largas, pueden ser rectas, curvas ó ensortijadas. Se puede lograr diferentes espesores de línea cambiando la presión.
Delineador extra largo - Script ó Long Liner - Usado para arabescos, ensortijados, delineado de líneas largas. Se puede dirigir el grosor de las líneas con presión.
Pincel tipo rastillo, con los extremos de los filamentos finos y desiguales, se usa con pintura diluida a consistencia de tinta para efectos texturizados, cabello, grama, veteado de madera, plumas y piel de animal
Pincel de Mopa - Mop Brush, - Se usa para matizar y suavizar - también se utiliza para aplicar lavados.

12 de agosto de 2013

Breve historia de la acuarela


La historia de la acuarela está íntimamente ligada a la historia del papel, inventado por los chinos, aunque tiene como antecesores a los egipcios, que aplicaron sobre el papiro pinturas, primero con tintas planas y, posteriormente, tintas desvanecidas, en dibujos y pinturas consiguiendo los primeros claroscuros.
En el siglo VIII, los chinos, utilizaron la acuarela para decorar la seda y pintar sobre papel de arroz. En Europa, durante el Medioevo, se utilizó para la decoración de los manuscritos, para lo que se empleaban pigmentos solubles en agua, aglutinados con un densificador derivado del huevo.
Los frescos medievales se fabricaban con una base de pintura blanca a la que se le añadían distintos pigmentos diluidos en agua. Posteriormente apareció el gouache, que también era una pintura que tenía al agua como elemento diluyente, aunque era una pintura opaca.
Precursores de esta técnica que sentaron las bases fueron: Paul Sandby, Durero, Constable y John Cromme.
Los artistas de los siglos XVI y XVII empleaban la acuarela de forma ocasional y acostumbraban hacerlo en monocromo. Utilizaban para ello un pigmento marrón obtenido del hollín llamado “bistre” u otro extraído del calamar que tenía un tono sepia.
La invención de la pintura al óleo por los maestros flamencos, declinó un poco el interés por la pintura al fresco y la acuarela fue relegada como el vehículo para hacer bocetos preliminares o como una herramienta para estudios.

Para los anglófilos, la acuarela fue inventada en Inglaterra durante el siglo XVIII. Aunque en honor a la verdad la primera escuela de acuarela europea data del 1471 por la influencia del pintor Albrecht Dürer, que utilizo con maestría esta técnica creando escuela, aunque debemos reconocer que, el verdadero avance se produjo en Inglaterra en el siglo XVIII, proceso que se vio favorecido por el avance tecnológico que desarrolló la Inglaterra imperialista. Se mejoró la producción y la calidad del papel y de los pigmentos que llegaban, a los puertos británicos, procedentes de todas las partes del mundo.

Al mismo tiempo, los franceses, eternos competidores y en la mayor parte de ocasiones enemigos de los ingleses, también desarrollaron muchas obras pictóricas utilizando esta técnica. Entre estos artistas hay que citar Jean Honore Fragonard (1732-1806).
Pero, como hemos dicho, su perfeccionamiento de esta milenaria técnica, se fraguará en Inglaterra imperialista, donde los artistas ya habían llevado la acuarela a una categoría tan elevada como el óleo, siendo uno de sus representantes William Turner, paisajista romántico. Desde este momento, la acuarela, se convirtió en la técnica preferida por muchos artistas, no solamente ingleses, sino europeos y americanos, dando a los paisajistas una herramienta ideal para trasmitir sus percepciones (luminosidad, movimiento, reflejo, transparencia), siendo los americanos Childe Hassam, James A. McNeill, John Singer Sargent, John LaFarge, Maurice Prendergast, Thomas Eakins, Winslow Homer yWhistler, quienes dieron a la acuarela prestigio y rango de expresión, equiparándolo a la pintura "al óleo".
La primera asociación en apoyo de la acuarela se creó en Inglaterra en 1804 la "British Society of Painters in Watercolours".
Durante la Guerra Civil en Estados Unidos, los dibujos de los reporteros-artistas, sus dibujos de las escenas de la guerra, se utilizaron como ilustraciones en los periódicos y revistas.
En 1866 se fundó la "American Society of Painters in Watercolours" y por primera vez fueron exhibidas en las galerías de arte, obras de acuarela junto a pinturas al óleo.
Aimé Bompland es el representante de pintores exploradores que viajaron por muchos países sudamericanos, realizando una labor impresionante, copiando muchas especies de fauna y flora desconocidas en Europa. Fue compañero de Alexander von Humboldt.
La obra y la pasión de Aimé Bompland influenciaron en otros artistas que continuaron esta obra entre los que se pueden citar Auguste Morissot, Antone Goering Camille Pisarro, Fritz Melbye, Ferdinand Bellerman y, Theophile Raymond.
Acrilico y acuarela, original Siamgodh 140 x 160 cm

10 de agosto de 2013

Efectos del agua: La acuarela.


Aunque la acuarela no es una técnica tan popular como el óleo, ofrece resultados en cuanto a transparencias, color, soltura y frescura que sólo se pueden obtener con esta técnica. Cada pintor debe decidir cuál es la técnica que más se adapta a cada situación y cual le permite desarrollar con mayor facilidad su inspiración, la cual se irá refinando con la practica constante. Todas las técnicas pictóricas como el oleo, la acuarela, el gouache, el pastel, el dibujo etc, deben ser conocidas y practicadas por los pintores, aunque al final prefieran una u otra y la desarrollen con mayor profundidad y destreza.

La acuarela se define como "pintura realizada con colores o pigmentos diluidos en agua y que emplea como blanco el papel".

El agua es el medio por el cual se transmite al papel la cualidad y calidad del color de los distintos pigmentos diluidos en este medio, aglutinados con otras sustancias como por ejemplo goma del Senegal o goma arábiga.

La característica principal de los trabajos en acuarela es la transparencia que producen estos pigmentos diluidos, lo que hace también que la técnica sea difícil, como difícil resulta la tarea de corregir o disimular algún error que, en el periodo de ejecución se produzca, aunque siempre existe algunas posibilidades que brinda el conocimiento y comportamiento de la acuarela, lo que unos denominan trucos y otros recursos.

La transformación que experimentan las obras ejecutadas con esta técnica es la de presentar un aspecto muy vivo, cuando están húmedas y apagadas, atenuadas, claras una vez la obra seca. Esta transformación de aclarado que, evidentemente cambia el aspecto de la obra final, puede llegar, aproximadamente, a un 50% dependiendo de la cantidad de color con las que hayas cargado el pincel al ejecutar las aguadas. Por esto hay que tener en cuenta este proceso, a fin de conseguir el aspecto final lo más próximo a tu percepción.
A pesar de que algunos puristas defienden que existe una forma correcta de pintar con acuarela, sin salirse de las normas establecidas en tiempos pretéritos, en la actualidad, cada vez son más los artistas que, persiguiendo un resultado final, utilizan y mezclan técnicas en la misma obra.

Recomendaciones generales para pintar en acuarela:


  • La técnica debe ser utilizada en beneficio de la obra y por lo tanto, nunca esta deberá ser más importante que lo que se pinta, la técnica no debe afectar el concepto de la obra.
  • En la acuarela cuanto más tiempo inviertas en la obra, más probabilidades habrá de que se acabe sobrecargándose y estropeándose, a veces hay que ir trabajandola por partes, alejarse de la obra en ocasiones observarla y analizarla.
  • Un papel de 380 gr es el más adecuado, se aconseja comenzar con papeles más económicos para practicar.
  • Antes de pintar en acuarela haga un bosquejo muy sutil en lápiz, un buen dibujo previo es muy importante ya que sirve de guía y te ahorra cometer errores cuando apliques el color (es más fácil corregir un dibujo hecho a lápiz).
  • Los pinceles más apropiados son los redondos de pelo de marta. Cuanto más rápida la pincelada más fluido será el trazo, más hermoso y expresivo.

 
Acuarela original Siamgodh año 2012

9 de agosto de 2013

Uso de las espatulas en el òleo

Las espátulas para oleo son una de las herramientas usadas para le confección de una pintura de oleo.
Son herramientas poco usadas en comparación de los pinceles y hace falta acostumbrarse a usas estas espátulas para empezar a sacarle provecho.

Recomendaciones

  • Si eres nuevo en la pintura con oleo, es recomendable que uses las espátulas para hacer una mezcla de color, esta tiene la ventaja de poder ver la cantidad exacta de color que vas a aplicar. Recuerda que los pinceles adsorben pintura en sus hebras y no se sabe la cantidad de pintura exacta que se aplica.
  • Si vas a aplicar los colores con espátula, lo puedes hacer directamente sin necesidad de usar disolventes.
  • Al usar las espátulas no debe ser un problema la cantidad de pintura que vas a usar, ya que esta técnica demanda gran cantidad de pintura y debes tener suficiente.
  • Si cometes algún error en tu pintura puedes usar las espátulas para limpiar o corregir los errores, removiendo la pintura de la tela pasando la espátula firmemente.
  • El cuidado de las espátulas es fundamental. Después de cada pintura puedes limpiarlas con aguarrás, Kerosene o tiner. Si la pintura ya está seca, haz uso de otra espátula para retirar la pintura frotando una contra otra, tratando de no dañar la espatula en el proceso.
  • Si vas a guardar las espátulas por un tiempo largo te recomiendo que las impregnes de aceite crudo y con papel periódico envuelvas la hora y en una caja aparte del resto de materiales

Formas y tamaños de espátulas

  • Cada una de las formas de las espátulas tienen formas y usos específicos pero te recomiendo que las uses a tu gusto, siempre y cuando te hagan trabajar cómodo y realices el acabado deseado.
Práctica para dominar la tècnica.

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